Что такое инструментальный концерт кратко

Франчайзинг · Инструментальный концерт определение. Инструментальный концерт: история, понятие, специфика.

Кто создал жанр инструментального концерта. (Н

Примеры известных инструментальных концертов Что такое инструментальный концерт? В инструментальном концерте сольные инструменты играют ведущую роль и представляют собой основной фокус внимания. Они выступают соло или взаимодействуют с оркестром, образуя сложную и изысканную композицию. Инструментальные концерты были особенно популярны в эпоху барокко и классицизма, когда многие известные композиторы, такие как Йоханн Себастьян Бах, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен, создавали произведения этого жанра. Инструментальные концерты имеют разнообразные формы и структуры, но обычно состоят из трех частей: быстрой, медленной и быстрой. Это называется сонатной формой. Каждая часть может иметь свою уникальную характеристику и настроение. Примеры известных инструментальных концертов включают «Концерт для скрипки и оркестра» Бетховена, «Концерт для флейты, арфы и струнных» Моцарта и «Концерт для двух скрипок и оркестра» Баха.

Инструментальные концерты до сих пор являются популярным жанром в классической музыке и исполняются на концертах и в записях. Они демонстрируют техническое мастерство музыкантов и позволяют им выразить свою индивидуальность и творческие идеи через инструментальное исполнение. Определение инструментального концерта в музыке Инструментальный концерт имеет свою уникальную структуру, состоящую из трех частей: быстрой, медленной и финальной.

Именно он внес огромный вклад в развитие этого жанра музыки. В его творчестве можно найти множество произведений для различных инструментов, как соло, так и с оркестром. Бах и Бетховен — еще две великие фигуры, которые стали знаменитыми благодаря своим инструментальным концертам. Их музыка, насыщенная эмоциями и талантливыми мелодиями, до сих пор звучит на концертах и радует слушателей со всего мира.

Среди современных композиторов также есть множество талантливых музыкантов, чьи инструментальные концерты вызывают искреннее восхищение. Например, Эрик Уитакер — британский композитор, который известен своими произведениями для оркестра. А Евгений Мравинский, российский дирижер и композитор, создал незабываемые инструментальные концерты, наполненные глубокими эмоциями. Независимо от времени и эпохи, композиторы инструментальных концертов всегда стараются передать свои чувства и эмоции через звуки музыки. Их творчество объединяет людей и позволяет нам наслаждаться прекрасными мелодиями. Инструментальный концерт в современной музыке Современная музыка не ограничивается жанровыми рамками и предлагает широкий спектр стилей и инструментов для инструментальных концертов. Благодаря технологическим достижениям и новым звуковым эффектам, музыканты могут экспериментировать с различными инструментами и создавать необычные и уникальные звуковые пейзажи.

Современные инструментальные концерты могут быть написаны для симфонического оркестра, духового оркестра, камерного ансамбля или соло инструмента с электронным сопровождением. Композиторы провоцируют инструментальные концерты, чтобы запустить аудиторию в путешествие, провести ее через различные эмоциональные состояния и поделиться своими идеями и вдохновением. При прослушивании инструментального концерта многое зависит от вашего собственного восприятия и настроения. Он может вызвать такие эмоции, как радость, грусть или восторг, и навести на размышления о глубине человеческой души. И, независимо от того, слушаете вы классический инструментальный концерт или современную альтернативу, это всегда оказывает волшебное воздействие на разум и сердце. Значимые примеры инструментальных концертов Инструментальные концерты считаются одним из самых величественных и выразительных жанров классической музыки. Многочисленные произведения этого жанра, написанные известными композиторами, впечатляют своими мелодиями, гармонией и виртуозностью исполнения.

Его изысканные мелодии и виртуозное исполнение скрипки с оркестром делают этот концерт незабываемым. Он считается одним из главных произведений в истории скрипичного искусства. Это изящное сочетание мелодий фортепиано и оркестра подчеркивает виртуозность композитора и необычайно эмоциональное исполнение. Концерт для скрипки с оркестром в ре мажор, Чайковский — этот концерт является одним из самых известных произведений Пётра Чайковского. Великолепное сочетание технической сложности и глубокого эмоционального содержания делает его великолепным образцом инструментального концерта. Это лишь несколько примеров из богатого наследия инструментальных концертов. Каждое из этих произведений уникально и восхищает своей красотой и изяществом.

Они являются прекрасными образцами классической музыки и остаются популярными среди слушателей всех поколений.

Определение инструментального концерта в музыке Инструментальный концерт имеет свою уникальную структуру, состоящую из трех частей: быстрой, медленной и финальной. Каждая часть характеризуется своим выражением, настроением и структурой. Важным элементом инструментального концерта является виртуозность солиста, который демонстрирует свое мастерство на своем инструменте. Оркестр поддерживает солиста и взаимодействует с ним, создавая гармоничное и эмоциональное исполнение произведения.

Роль инструментального концерта в классической музыке Основная роль инструментального концерта заключается в демонстрации виртуозности и технических навыков солиста. Концертные сочинения для солиста и оркестра содержат сложные партии, требующие высокой мастерности игры на инструменте. Они представляют собой своеобразное испытание для солиста, позволяя ему продемонстрировать свою техническую и художественную самодостаточность, а также способность взаимодействовать с оркестром. Инструментальные концерты также служат средством самовыражения композитора. Они предоставляют ему возможность создания музыкальных произведений, в которых изящно сочетаются сила и красота инструментального звучания с оркестровыми партиями.

Композиторы используют инструментальный концерт как платформу для экспериментов с мелодикой, гармонией и формой, развивая и инновируя классическую музыкальную традицию. Инструментальные концерты влияют на развитие классической музыки в целом.

Создатель сольного концерта стремился к ярким и необычным звучаниям, смешивал тембры разных инструментов , часто включал в музыку диссонансы. Следует отметить, что концерты А. Вивальди предоставляли музыкантам широкие возможности блеснуть виртуозной игрой и показать свое совершенное владение инструментом. Между солистами и остальными участниками концертного действа возникают определенные концертные диалоги. Именно в концертах А. Вивальди чередование solo и tutti стало родовой приметой концертного Allegro. Так же определяющей характерной чертой данной формы является рондальность, которая становится следствием жизнеутверждающей природы инструментального концерта XVII — начала XVIII вв. Ярким примером стиля инструментальных концертов А.

Вивальди является цикл «Времена года». Новый этап эволюции инструментального концерта связан с творчеством представителей позднего барокко — И. Бахом и Г. Открытия этих мастеров музыкальной мысли в области инструментального концерта, стали прозрением в далекое будущее. Обилие тембровых контрастов, многообразие ритмических комбинаций, напряжённое взаимодействие солиста и ансамбля-оркестра — всё это работает на усложнение и более глубинное прочтение концерта. Так, ярким примером концертного мастерства И. Баха являются «Бранденбургские концерты» для различных инструментальных составов, «Итальянский концерт», утвердивший самостоятельное значение клавира, как концертного инструмента. Акцентируем внимание на том, что именно клавирные концерты И. Баха, определили вектор развития будущего фортепианного концерта. Как свидетельствуют исследователи, И.

Бах долго работал в области концертного жанра; тщательно изучал скрипичные концерты итальянских мастеров , делал переложения скрипичных концертов для клавира. Затем композитор начал писать собственные концерты для скрипки и делать их переложения. Позже И. Бах перешел к написанию собственных клавирных концертов. Следует отметить, что, создавая клавирные концерты, И. Бах следует традициям и опыту итальянских мастеров, что выражается в трехчастном циклическом строении, облегченной фактуре, мелодической выразительности и виртуозности. В сольном инструментальном концерте раскрылась и глубокая жизненная основа творчества Г. Совершенно не случайно в письме одному из друзей М. Глинка писал: «Для концертной музыки — Гендель, Гендель и Гендель». Вершиной инструментального концертного творчества этого удивительного мастера являются Concerto Grosso — великие сокровища оркестровой музыки XVIII в.

Данные сочинения отличает классическая строгость и сдержанность письма. Говоря о праздничности этого жанра у Г. Генделя, можно было бы определить его стиль как «генделевское барокко» и охарактеризовать его как энергичный, оживленный, блестящий с яркими контрастами и изобилием ярких ритмов. Концерты Г. Генделя строги по мелодике и фактуре, более лаконичны в композиционном строении. По складу музыки Concerto Grosso, преимущественно, гомофонны. Строение каждого цикла разнообразно от двух до шести частей ; каждому концерту свойственны особые жанровые связи, определенный образно-поэтический облик. Таким образом, традиции, установившиеся в концертной музыкеXVII в. Создателями инструментального концерта нового типа явились представители венского классицизма. Именно в творчестве венских классиков инструментальный концерт становится новым жанром концертной музыки, отличающимся от прежнего ConcertоGrossо, а также от сольного концерта XVII в.

В классическом стиле меняется облик циклических композиций, утверждается строгий нормативный трехчастный цикл, с акцентуацией первой части сонатного Allegro. Концертные сочинения Й. Гайдна, В. Моцарта, Л. Несмотря на то, что инструментальный концерт у венских классиков был родственен симфониям, исследуемый жанр не является разновидностью симфонии. Концерт в эпоху классицизма выступает самостоятельным сложившимся жанром с определенными чертами. Очень важен состав оркестра, где основополагающей является струнная группа, ее дополняет группа деревянных и медных духовых, эпизодически используются ударные инструменты. Практически ликвидируется практика continuo — клавишные инструменты уходят из основного состава оркестра. Солирующий инструмент скрипка или фортепиано становится равноправным участником концертного состязания, концертного диалога. Солист и оркестр сближаются по своим исполнительским приемам, тем самым, создавая условия для более тесного взаимодействия.

Включение новых тем, переменность функций в изложении одной темы — свидетельствует о формировании нового типа взаимодействия солиста и оркестра. Новизна классического фортепианного концерта заключалась также в методе показа эмоции. Если барочный инструментальный концерт фиксировал неподвижную эмоцию, то концерт эпохи классицизма демонстрировал передачу аффектов в движении, развитии, внутренней контрастности. На смену стабильному барочному концерту пришёл динамичный классический концерт. Изображение процесса переживаний, изменение аффекта, картины душевных движений , требовало особой музыкальной формы. Реализацией заданной семантической задачи стала сонатная форма, функции которой заключались в том, чтобы начальную неустойчивость усилить, обострить и лишь в конце достигнуть равновесия. Масштабность, выбор нетипичных оркестровых составов, монументальность циклов классического фортепианного концерта способствовало активизации процесса раскрепощения границ концертного жанра. В результате подобных новаторских допущений, композиторы получили больше возможностей для реализации собственных художественных замыслов. Следует отметить, что помимо музыкальной драматургии, формы классический фортепианный концерт демонстрирует не свойственное концертам предшествующих эпох отношение к каденции, тематизму, трансформируются отношения солиста и оркестра. Как свидетельствуют исследователи, жанр классического фортепианного концерта можно сравнивать с театральным действием, в котором музыкальная игровая логика выступает как логика игровых ситуаций, превращается в логику сценического действия, позволяющую средствами концертного жанра реализовать сложную драматургию и скрытый авторский подтекст.

Новаторством, определяющим облик фортепианного концерта эпохи классицизма, явилось также отношение композиторов и исполнителей к каденции. Как свидетельствуют исследователи, в концертном жанре, предшествующих классицизму эпох, каденциям уделялось особое внимание. Именно каденции демонстрировали творческую изобретательность, а также виртуозность исполнителя. Каденция должна была соответствовать общему настроению произведения и включать его важнейшие темы. Каждый виртуоз высокого класса должен был владеть этим искусством. Умение импровизировать являлось не только обязанностью музыканта, но и правом, которым он пользовался при исполнении чужих авторских сочинений. Следует отметить, что каденции, встречающиеся в барочных инструментальных концертах, доставляли немало мучений неопытным исполнителям, неискушенным в импровизации. Многие исполнители выучивали каденции заранее. Постепенно, вставные каденции начали вытесняться из концертов. Именно в период венского классицизма произошел кардинальный перелом в природе каденционных построений, который завершил переход каденций из рамок импровизационной культуры в сугубо письменную традицию.

В сформировавшейся классической концертной форме, каденция, как виртуозное соло исполнителя, являлась обязательной частью формы. Первый шаг в этом направлении сделал Л. В фортепианном концерте эпохи классицизма были распространены виртуозные сложнейшие каденции. Начало каденции, чаще всего, было подчеркнуто или ярким аккордом или виртуозным пассажем. В момент звучания этого фрагмента концерта, внимание слушателя многократно обострялось. Принципы, по которым выстраивалась каденция, конкретизированы элементами неожиданности, ярким виртуозным началом, эффектностью. Исследуя особенности формирования и развития каденции в фортепианном концерте, целесообразно процитировать правила из «Фортепианной школы» Д. Тюрка: «Каденция, не только должна поддерживать впечатление, произведенное музыкальной пьесой, но, насколько это возможно, усилить его. Наиболее верный путь достичь этого — изложить в каденции чрезвычайно сжато важнейшие основные мысли или напомнить о них с помощью оборотов. Поэтому каденция должна быть теснейшим образом связана с исполняемой пьесой и более того, из нее, главным образом, черпать свой материал.

Каденция, как и всякое свободное орнаментирование, должна состоять не из намеренно привнесенных трудностей, а скорее из таких мыслей, которые соответствуют основному характеру пьесы». Фортепианный концерт эпохи классицизма является жанром, в котором происходит утверждение музыкальной темы, не только как носителя определенной выразительности, но и как художественного образа, который заключает в себе потенциальные возможности развития. Именно в фортепианных концертах композиторы венской классической школы достигают высочайшего мастерства в области тематического развития, разработки, используя самые различные приемы — изменение тональности, гармонизации, ритма, элементов мелодии. Так же характерно расчленение темы на отдельные мотивы, которые сами подвергаются различным преобразованиям и по-разному комбинируются друг с другом. Тематический материал фортепианных концертов венских классиков отличается образной рельефностью и индивидуальной характерностью. В числе важнейших музыкальных истоков — народная музыка. Опираясь на богатства народно-песенного искусства, представители венской классической школы пришли к новому пониманию мелодии, ее функций и возможностей. Особым своеобразием отмечен музыкальный тематизм фортепианных концертов венских классиков, испытавший на себе влияние итальянского стиля belcanto. Как утверждал Г. Телеман: «Пение — всеобщая основа музыки.

Кто берется за сочинение — должен петь в каждой из частей. Кто играет на инструментах — должен быть в пении сведущ». Поскольку belcanto предполагает сочетание прекрасной кантилены и виртуозной орнаментики, в классических фортепианных концертах выделяются темы двух видов: темы близкие к вокальной кантилене и виртуозные тематические комплексы. В связи с этим, солист предстаёт в двух амплуа — как вдохновлённый музыкант и исполнитель-виртуоз. Представители венской классической школы достаточно интересно и многообразно реализовали себя в жанре фортепианного концерта, тем самым вызвав интерес и развитие данного жанра в эпоху романтизма, а также в творчестве композиторов XX века. В качестве важнейших специфических свойств жанра фортепианного концерта исследователи традиционно выделяют следующие: игровую логику, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Жанрообразующим принципом классического концерта является игра. Именно в инструментальном концерте наиболее полно реализуются ключевые компоненты игры — противопоставление различных начал и состязательность. В музыкознании понятие игровая музыкальная логика использовано Е. В гениальном труде учёного «Логика музыкальной композиции » представлено определение исследуемой дефиниции, как логики концертирования, столкновения различных инструментов и оркестровых групп, различных компонентов музыкальной ткани, разных линий поведения, образующих вместе «стереофоническую», театрального характера картину развивающегося действия.

Поскольку понятие игры является определяющим для концертного жанра, остановимся более подробно на его характеристике. В энциклопедической литературе представлено следующее определение игры: «игра — вид осмысленной непродуктивной деятельности, где мотив лежит как в ее результате, так и в самом процессе». Игра является атрибутом любого музыкально-театрального действа. Среди современных концепций игры, особое место занимает теория нидерландского историка культуры Й. Хейзинги, который рассматривал культурологическую функцию игры в ее историческом развитии. В работах ученого говорится о том, что «игра» — это, прежде всего, свободная деятельность. Игра по приказу уже больше не игра.

КОНЦЕРТ (музыкальная форма)

В качестве подобных «игровых фигур» учёный выделяет такие как: смена модуса, интонационная ловушка, вторжение, оспаривание, реплика-втора, незаметно вкрадывающееся повторение, обрывающий удар, переворот, наложение, слияние, преодоление препятствия, застрявший тон, вариантный подхват, игровая ошибка и др. Следует отметить, что участниками игрового действа могут выступать как определённые тематические построения, так и небольшие мотивы, краткие музыкальные реплики. Их сочетание являют основу инструментально-игровой логики. Игровая природа фортепианного концерта реализуется посредством виртуозности.

Акцентируем внимание на том, что определяющим элементом виртуозности является исполнительское мастерство музыканта, который должен быть намного лучше среднего исполнителя. Виртуоз от итал. Virtus — доблесть, талант — исполнитель мастерски владеющий техникой искусства.

Данный термин предназначался для человека, отметившегося в любой интеллектуальной или художественной области. Термин со временем развивался, одновременно расширялся и сужался в размахе. Изначально музыканты удостаивались такой классификации, будучи композиторами, теоретиками или знаменитыми маэстро, что было важнее, чем мастерское исполнение.

Концерт как жанр предполагает публично-демонстративное проявление мастерства музыканта-исполнителя и его виртуозности. Вместе с тем, виртуозность подчинена внутреннему содержанию музыки и является органическим элементом художественного образа. Также следует отметить, что виртуозность выражает не что иное, как артистическое начало человеческой личности и является частью исполнительского почерка самого музыканта.

В жанре концерта впервые воплощается органичное единство виртуозности и певучести. Виртуозность в партии солиста, с одной стороны, делает его лидером в диалоге с оркестром, а с другой — способствует «общительности» самого концертного жанра. Не менее важным принципом, определяющим жанровую природу фортепианного концерта, является принцип состязательности.

Следует отметить, что идея состязательности корнями уходит в древнюю Грецию , где родились Олимпийские игры. До настоящего времени состязательность определяет практически все сферы жизни человека, способствует творческому проявлению, а также творческой самореализации личности. Принцип состязательности в музыке, в частности в инструментальном концерте, не предполагает противоборства «всерьёз».

Концертная состязательность — условная ситуация, где ощущается атмосфера диалога, выражающаяся в «общении» главных участников соревнования. Поэтому состязание в концерте — это лишь идеализированная картина противоборства соло и оркестра. Состязательность предполагает попеременное чередование реплик солиста и отыгрышей оркестра, потому одни мысли могут представать как в партии ведущего участника состязания, так и в чисто оркестровом изложении совместно с солистом либо без его участия.

Следует отметить, что в концертном состязании, как и в любом игровом действии, важен не столько результат кто же первый? Различные типы соотношения оркестра и солиста, которые определяют конкретные способы фактурной организации музыкального материала, а также инструментовки концерта, конкретизированы принципами концертирования. Однако, опираясь на научные исследования немецкого музыкального историка А.

Шеринга, можно говорить о более древнем происхождении этого принципа. Как утверждает исследователь, его истоки «…можно проследить вплоть до античности, до переключающегося пения в греческой трагедии и до псалмов древних евреев, которые затем снова обнаруживаются в период средневековья как антифоры в католическом ритуале». Это указание на музыкально-драматическое происхождение концертирования.

По убеждению Б. Асафьева, именно посредствам концертирования реализуется характерный для концерта инструментальный диалог, основывающийся на раскрытии, импульсов, заложенных в тезисе, в роли которого могут выступать самые различные элементы, вплоть до попевки или «простейшего сопряжения звуков», не говоря уже о развернутых построених типа мелодической темы. Технология концертирования, а именно взаимодействие солиста с оркестром в жанре концерта, зарождалась в концертах А.

Основополагающими моментами служат чередование tutti и solo, жанровость и программность, использование тембровых, динамических и ритмических средств выразительности. Сочетание этих особенностей, в гармоническом сочетании, повышают значимость и актуальность принципа концертирования. Следует отметить, что в эпоху венских классиков данный принцип существенно меняется.

Концертирование становится тесно связано с тематическим развитием. Предусматривается импровизация солиста каденция. Партия солиста имеет характер орнаментальной виртуозности.

Реализацией свободного, творческого самовыражения в фортепианном концерте является принцип импровизационности. Данный принцип символизирует высшее проявление игровой природы фортепианного концерта. Имровизационность является следствием спонтанно-творческой инициативы музыканта-исполнителя.

Суть импровизационности заключается в новых элементах интерпретации произведения и аспектах музыкальной выразительности. Согласно практике того времени, пианист должен был в непринужденной импровизации пользоваться мотивами предшествующей музыки, но он мог также вплетать в нее и новые, посторонние темы. В инструментальных концертах этой эпохи имеют место музыкальные эпизоды, где оркестр молчит, а солист получает возможность показать свое умение и фантазию.

Известно, что как и В. Моцарт, так и Л. Быстрота художественной реакции, яркость внезапно возникающих образов, изобретательность в острой их смене — качества, которыми должен обладать импровизатор.

Импровизационной неожиданностью отмечены вступления солиста, внезапные вариационные освещения тем, сопоставления их, контрасты гармонии, оркестрового колорита. Но эти смены скреплены мудрой музыкальной логикой. Импровизационная природа характерна и для каденций классического концерта, но принцип импровизационности в каденциях классического фортепианного концерта был жестко регламентирован.

Таким образом, исследовав особенности зарождения и развития фортепианного концерта, а также проанализировав специфику его жанровой природы, мы пришли к выводу о том, что фортепианный концерт — один из крупнейших монументальных жанров инструментальной музыки. Возникновение исследуемого жанра связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. Кристаллизация основных жанровых признаков концерта многочастная контрастная структура, принцип состязательности и импровизационности, яркая образность осуществляется в эпоху барокко творчество А.

Вивальди, А. Корелли, И. Баха, Г.

Новую веху в истории развития жанра фортепианного концерта открывают мастера «венского классицизма» Й. Гайдн, В. Моцарт Л.

Фортепианный концерт этих новаторов музыкальной лексики отличает масштабность замысла, драматизация музыкальных образов , яркость мелодики, симфоническое развитие тематического материала, виртуозность при большой органической связи солиста и оркестра. Жанровая сущность фортепианного концерта конкретизирована следующими принципами: игровая логика, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Обозначенные принципы определяют не только особенности структуры и содержания концерта, но также формируют поле задач и методов их решения в исполнительской практике пианиста.

Представленные в работе результаты не претендуют на полноту исследования проанализированной проблемы и предполагают дальнейшее развитие. Целесообразно исследовать особенности реализации жанровой природы концерта на конкретных примерах концертных сочинений композиторов-классиков, а также представителей музыкальной культуры второй половины XIX — начала XXI в. История фортепианного искусства: учебник для студентов муз.

Асафьев Б. Бадура-Скода Е. Бадура-Скода, П.

Друскин М. Назайкинский Е. Розеншильд К.

Тараканов М. Хейзинга Й. Homo Ludensс.

Обозначены особенности исторического развития исследуемого жанра. Выявлены и проанализированы структурно-жанровые особенности концерта. Ключевые слова: фортепианный концерт, жанр, структура, музыкальная форма.

The characteristics of the genre development are defined. Structural-and-genre characteristics of the piano concerto are analyzed. Key words: piano concerto, genre, structure, musical form.

Посетителям филармонии знакома та особая, приподнятая атмосфера, которая царит в зале, где исполняется инструментальный концерт.

Подобно живописи, театру, поэзии, она является образным отражением жизни. Каждое искусство говорит на своем языке. Музыка — язык звуков и интонаций — отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эту эмоциональную сторону вы почувствовали при прослушивании музыки А. Музыка обладает сильным воздействием на внутренний мир человека. Она может доставлять наслаждение или, напротив, вызывать сильное душевное беспокойство, побуждать к размышлениям и открывать перед слушателем неизвестные ранее стороны жизни. Именно музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами. Подумайте, можно ли на эту музыку поставить балет? Когда соревнуются в мастерстве солист и оркестр, они непременно должны играть для зрителя.

Именно в этом непрестанном чередовании звучания оркестра и ярко звучащей солирующей скрипки, в ощущении театра и дискуссии, в гармоничности и стройности музыкальной формы ощущаются характерные черты музыки барокко. При повторном прослушивании 1 —ой части концерта вслушайтесь в звучащую музыкальную ткань. Мелодический голос сочетается с непрерывным, строго определённым по форме сопровождением. В этом отличие от сочинений предшествующего периода, где главенствующую роль играла полифония — одновременное звучание нескольких мелодий, равных по своей значимости. Итак, концерт А. Вивальди «Времена года» состоит из четырёх частей. Название каждой части соответствует названию времени года. Развитие музыкального образа каждой части основано не только на сопоставлении звучания скрипки соло и tutti оркестра. В концерте музыка следует за образами стихотворных сонетов, которыми композитор раскрывает содержание каждого из концертов цикла, то есть существует некоторая программа. Есть предположения, что сонеты были написаны самим композитором.

Обратимся к переводам сонета, который стал своеобразной программой концерта. В учебнике на стр. Какой из них, на ваш взгляд, большее точно соответствует музыкальному образу 1-й части концерта «Весна»? Какими средствами выразительности литературный текст передаёт настроение человека, его душевное и эмоциональное состояние , связанное с приходом весны? Вивальди, используя литературную программу в своём концерте, явился основоположником программной музыки. В XIX веке возникла программная музыка — произведение, в основе которого лежит литературная основа. Программная музыка — род инструментальной музыки. Это музыкальные произведения, имеющие словесную, нередко поэтическую программу и раскрывающие запечатлённое в ней содержание. Программой может служить заглавие, указывающее, например, на явления действительности, которое имел в виду композитор «Утро» Э. Грига к драме Г.

Ибсена «Пер Гюнт» или на вдохновившее его литературное произведение произведение «Ромео и Джульетта» П. Чайковского — увертюра — фантазия по одноимённой трагедии У. Перейдём к работе с учебником. На стр. Я напомню её звучание, сыграв на инструменте. Можно ли напеть эту мелодию? Давайте пропоём мелодию. Зная средства музыкальной выразительности, охарактеризуйте эту музыкальную тему учащиеся дают характеристику мелодии, лада, длительностей, темпа, регистра, тембра. Повторяется ли эта тема? В какой музыкальной форме рондо, вариации написана 1-я часть концерта?

Какой принцип развития повтор или контраст композитор использует в музыке 1-й части? Есть ли изобразительные эпизоды? Если есть, то определите их необходимость и подтвердите примером из литературного текста. Можете ли напеть мелодию, исполняемую солистом? Трудноисполняемая, виртуозные пассажи, как порыв ветра, трели птиц. Сравните с графическим изображением мелодии восходящее движение, мелкие длительности и т. В тот момент, когда в опере вошли в моду изображения героических поступков и пасторальных идиллий, картин преисподней и природных сил — бушующего моря, шелестящей листвы; оркестру в таких сценах отводилась доминирующая роль. В сравнении с композиторами-инструменталистами эпохи барокко А. Вивальди обнаружил большой талант в этой области. Долгое время о Вивальди помнили благодаря И.

Баху, который сделал несколько транскрипций его произведений. Были переложены шесть концерт Вивальди для фортепиано и органа, которые долгое время считались написанными самим Бахом. Творчество А. Вивальди оказало большое влияние на формирование творческого стиля И. Баха, особенно первые скрипичные концерты Вивальди. Вы ещё раз обратитесь к музыке 1-й части концерта «Весна», но прослушивание будет необычным: вы будете и слушать, и смотреть фрагмент балета «Времена года» на музыку А. Вивальди в постановке выдающегося французского хореографа-постановщика Р. Балет исполняет Марсельская труппа.

За несколько столетий существования он прошел достаточно сложный путь развития... Влияние фольклора на развитие музыкальных эмоций детей младшего школьного возраста Музыка обладает могучим эмоциональным воздействием, она пробуждает в человеке добрые чувства, делает его выше, чище, лучше, так как в подавляющем большинстве она предполагает возвышенные эмоции... Гармоническая фактура светской музыки эпохи Возрождения Рассмотрим, что такое фактура. Фактура-это форма изложения музыкального материала , которая проявляется и в статике например, то или иное расположение аккорда. Фактура, являясь внутренней содержательной стороной произведения... Жанры русского музыкального фольклора Хоровод - сочетание хореографического движения целой группы лиц с их совместным ансамблевым пением. Хороводы имеют многовековую историю, на протяжении которой они развивались, обновлялись и по характеру хореографии, и по стилю пения... Музыка как стиль искусства Музыка возникла на низших ступенях общественного развития , выполняя преимущественно утилитарную роль - ритуальную, ритмическую в трудовой деятельности , способствуя при этом объединению людей в едином процессе... Основные виды и жанры концертов Театрализованный концерт, или, как его иначе называют, "концерт-спектакль" "спектакль-концерт" , представляет собой органический сплав различных видов искусства: музыки, литературы, театра музыкального и драматического , эстрады, кино и цирка... Классификация видов памяти по характеру психической активности была впервые предложена П. Хотя все четыре выделенные им вида памяти не существуют независимо друг от друга, и более того, находятся в тесном взаимодействии... Основные методы развития музыкальной памяти в музыкальной педагогике Существует и такое деление памяти на виды, которое прямо связано с особенностями самой выполняемой деятельности. Так, в зависимости от целей деятельности память делят на непроизвольную и произвольную... Основные методы развития музыкальной памяти в музыкальной педагогике Большинство психологов признает существование нескольких уровней памяти, различающихся по тому, как долго на каждом из них может сохраняться информация. Первому уровню соответствует сенсорный тип памяти... Особенности гармонического языка С. Прокофьева Культура XX века - сложный, многоплановый и противоречивый феномен. Современное музыкальное искусство - часть этой реально функционирующей и развивающейся большой системы, еще недостаточно изучена как в целом так и в составных элементах... Особенности музыкальной памяти Существует несколько основных подходов в классификации памяти... Специфика звуковой субстанции как музыкального материала Эта сложность усугубляется в музыке дифференцированностью музыкальных профессий и инструментальным опосредованием. Звуковая материя, которой пользуются исполнитель и композитор, далеко не всегда производится самим музыкантом... Шнитке Известно, что практически ни одно из сочинений Шнитке не обходилось без участия фортепиано, хоть по воспоминаниям Ирины Шнитке композитор предпочитал струнные инструменты , а "рояль у него был не на первом месте" Хайрутдинова А... Языковые особенности бардовской песни на примере исследования категории времени в творчестве Ю. Визбора В качестве исходной теоретической и методологической основы в данной работе принимается развернутое определение авторской песни, предложенное в монографии И. Соколовой: «Авторская песня…- это тип песни... Инструментальный концерт Само это слово вам, конечно, знакомо, особенно в первом его значении. Но дело в том, что у этого слова есть и другое значение: так называется сочинение для какого-либо музыкального инструмента или голоса в сопровождении оркестра. А вот почему оно так называется? И почему участники конкурса должны были играть именно концерт? Слово это можно перевести как «состязание»», таким образом, «Концерт для фортепиано с оркестром» - это состязание пианиста с симфоническим оркестром. Когда вам интересно смотреть спортивное состязание? Когда «противники» равны по силе, по мастерству, верно? Потому что если состязаются слабая и сильная команды или мастер спорта с новичком-любителем, то заранее уже ясно, кто победит. А это совсем не интересно. В концерте состязаются какой-нибудь музыкальный инструмент и... Вот так-так! Да разве какой-нибудь крохотке флейте или хрупкой, изящной скрипке под силу победить или хотя бы, говоря спортивным языком, «сделать ничью» с этакой громадой? Что же это за состязание? Великолепное, друзья мои, замечательное состязание! Так как силе, мощи и блеску симфонического оркестра противопоставляются талант исполнителя-солиста, его мастерство, достигнутое годами и годами напряжённой работы. Скажу вам по секрету, что выигрывает почти, всегда тот, кто на первый взгляд кажется слабейшим. Солист подчиняет себе оркестр. Конечно, только в том случае, если он настоящий музыкант, талантливый исполнитель, потому что для него это очень серьёзное испытание. И когда нет мастерства и таланта, побеждает оркестр. Но какая это грустная победа. Победа есть, а музыки нет. Музыка концерта. Каких только трудностей в ней не найдёшь! Сложные до головоломности пассажи, сильные аккорды, стремительно катящиеся гаммы... Это всё так называемые технические трудности, испытание беглости пальцев, силы удара, - словом, умения музыканта-исполнителя. И композитор, создавая концерт, всегда думает о том, чтобы музыкант мог в этом произведении показать все своё мастерство. Однако если бы композитор думал только об этом, если бы концерт состоял только из одних задач и хитроумных головоломок, его нельзя было бы назвать настоящим произведением искусства. В таком произведении не было бы самого главного - мысли, содержания. Вот что пишет о концерте Чайковский: «Тут есть две равноправные силы, то есть могучий, неисчерпаемо богатый красками оркестр, с которым борется и которого побеждает при условии талантливости исполнителя маленький, невзрачный, но сильный духом соперник. В этой борьбе много поэзии и бездна соблазнительных для композитора комбинаций». Если бы страницы книги могли зазвучать после этих слов, мы сразу же услышали бы яркие, полнозвучные аккорды оркестра — начало Первого фортепианного концерта. С первыми звуками этой музыки словно сама радость врывается в зал. Каким маленьким и слабым кажется сидящий за роялем пианист. Мощное звучание оркестра словно отгородило его от зала плотной стеной. И в эту ликующую массу звуков могучим колоколом влился новый голос. Вы не можете не слышать меня». И мы слышим, прекрасно слышим звучный, сильный голос рояля. Широкой мелодией разлились скрипки и, смиряя своё безудержное ликование, постепенно затих оркестр. Теперь звучит один рояль... Сменяют друг друга виртуозные аккорды и пассажи, одевают мелодию в сверкающий, богатый наряд. Но и оркестр ещё не смирился. Он не уступит так просто, не сдастся без борьбы. Вспыхивает страстный спор. Главная тема слышна то в оркестре, то в партии рояля... Да, конечно, это, прежде всего замечательная музыка. Настоящая музыка, а не просто головоломные, виртуозные трюки. Обычно музыка концерта - светлая, радостная и нарядная. Должна вам сказать, что слово «концерт» переводится не только как «состязание», но и как «согласие». А это значит, что состязание всегда дружеское. Но, конечно, слушая концерт, вы порой и погрустите, и помечтаете, и задумаетесь над чем-то. Иногда музыка может быть и очень мрачной, даже трагической. Например, в скрипичном концерте Шостаковича или в Третьем фортепианном концерте , о котором мы ещё будем говорить. Однако это бывает гораздо реже. Тонкий и выразительный музыкальный колорит концерта для скрипки Феликса Мендельсона сочетается здесь со строгостью формы. Композитор достиг здесь той высокой драматичности, которая позволяет говорить о его связи с бетховенскими симфоническими традициями. Вместе с тем концерт насыщен духом романтизма - от первой до последней ноты. В нем сосредоточились характернейшие черты творчества Мендельсона - лиричность, песенность, изящество, чувство красоты и гармоничности окружающего мира. Концерт - большое, многочастное произведение хотя бывают и одночастные концерты. Как правило, в нем три части. Первая — самая действенная, «главный участок борьбы». Вторая - медленная, лирическая. Часто её образы связаны с природой. Третья часть - финал. Музыка финала чаще всего особенно жизнерадостная, стремительная и блестящая. Что напоминает такое строение? Ну конечно, симфонию! Маленькую симфонию. Только с новым действующим лицом - солистом. В отличие от симфонии, в концерте есть так называемая каденция - большой эпизод, который солист исполняет без оркестра. Интересно, что в давние времена , когда форма концерта только начала зарождаться, каденцию сочинял не композитор, а сам исполнитель. Композитор же только указывал место, где она должна быть обычно в первой части. Тогда каденция была как бы вставным номером, в котором солист показывал всё своё мастерство, демонстрировал возможности музыкального инструмента. Нетрудно догадаться, что музыкальные достоинства такой каденции были по большей части не особенно велики и в содержании произведения большой роли не играли. Первым написал каденцию для пианиста в своём Четвёртом фортепианном концерте.

Градация динамики в микромире игровой логики часто выступает как средство контрастных сопоставлений, вторжений, неожиданных акцентов. Как отмечает Е. Назайкинский, на композиционном уровне игровая логика может проявляться в особой трактовке формы. На синтаксическом — в особых «игровых фигурах». В качестве подобных «игровых фигур» учёный выделяет такие как: смена модуса, интонационная ловушка, вторжение, оспаривание, реплика-втора, незаметно вкрадывающееся повторение, обрывающий удар, переворот, наложение, слияние, преодоление препятствия, застрявший тон, вариантный подхват, игровая ошибка и др. Следует отметить, что участниками игрового действа могут выступать как определённые тематические построения, так и небольшие мотивы, краткие музыкальные реплики. Их сочетание являют основу инструментально-игровой логики. Игровая природа фортепианного концерта реализуется посредством виртуозности. Акцентируем внимание на том, что определяющим элементом виртуозности является исполнительское мастерство музыканта, который должен быть намного лучше среднего исполнителя. Виртуоз от итал. Virtus — доблесть, талант — исполнитель мастерски владеющий техникой искусства. Данный термин предназначался для человека, отметившегося в любой интеллектуальной или художественной области. Термин со временем развивался, одновременно расширялся и сужался в размахе. Изначально музыканты удостаивались такой классификации, будучи композиторами, теоретиками или знаменитыми маэстро, что было важнее, чем мастерское исполнение. Концерт как жанр предполагает публично-демонстративное проявление мастерства музыканта-исполнителя и его виртуозности. Вместе с тем, виртуозность подчинена внутреннему содержанию музыки и является органическим элементом художественного образа. Также следует отметить, что виртуозность выражает не что иное, как артистическое начало человеческой личности и является частью исполнительского почерка самого музыканта. В жанре концерта впервые воплощается органичное единство виртуозности и певучести. Виртуозность в партии солиста, с одной стороны, делает его лидером в диалоге с оркестром, а с другой — способствует «общительности» самого концертного жанра. Не менее важным принципом, определяющим жанровую природу фортепианного концерта, является принцип состязательности. Следует отметить, что идея состязательности корнями уходит в древнюю Грецию , где родились Олимпийские игры. До настоящего времени состязательность определяет практически все сферы жизни человека, способствует творческому проявлению, а также творческой самореализации личности. Принцип состязательности в музыке, в частности в инструментальном концерте, не предполагает противоборства «всерьёз». Концертная состязательность — условная ситуация, где ощущается атмосфера диалога, выражающаяся в «общении» главных участников соревнования. Поэтому состязание в концерте — это лишь идеализированная картина противоборства соло и оркестра. Состязательность предполагает попеременное чередование реплик солиста и отыгрышей оркестра, потому одни мысли могут представать как в партии ведущего участника состязания, так и в чисто оркестровом изложении совместно с солистом либо без его участия. Следует отметить, что в концертном состязании, как и в любом игровом действии, важен не столько результат кто же первый? Различные типы соотношения оркестра и солиста, которые определяют конкретные способы фактурной организации музыкального материала, а также инструментовки концерта, конкретизированы принципами концертирования. Однако, опираясь на научные исследования немецкого музыкального историка А. Шеринга, можно говорить о более древнем происхождении этого принципа. Как утверждает исследователь, его истоки «…можно проследить вплоть до античности, до переключающегося пения в греческой трагедии и до псалмов древних евреев, которые затем снова обнаруживаются в период средневековья как антифоры в католическом ритуале». Это указание на музыкально-драматическое происхождение концертирования. По убеждению Б. Асафьева, именно посредствам концертирования реализуется характерный для концерта инструментальный диалог, основывающийся на раскрытии, импульсов, заложенных в тезисе, в роли которого могут выступать самые различные элементы, вплоть до попевки или «простейшего сопряжения звуков», не говоря уже о развернутых построених типа мелодической темы. Технология концертирования, а именно взаимодействие солиста с оркестром в жанре концерта, зарождалась в концертах А. Основополагающими моментами служат чередование tutti и solo, жанровость и программность, использование тембровых, динамических и ритмических средств выразительности. Сочетание этих особенностей, в гармоническом сочетании, повышают значимость и актуальность принципа концертирования. Следует отметить, что в эпоху венских классиков данный принцип существенно меняется. Концертирование становится тесно связано с тематическим развитием. Предусматривается импровизация солиста каденция. Партия солиста имеет характер орнаментальной виртуозности. Реализацией свободного, творческого самовыражения в фортепианном концерте является принцип импровизационности. Данный принцип символизирует высшее проявление игровой природы фортепианного концерта. Имровизационность является следствием спонтанно-творческой инициативы музыканта-исполнителя. Суть импровизационности заключается в новых элементах интерпретации произведения и аспектах музыкальной выразительности. Согласно практике того времени, пианист должен был в непринужденной импровизации пользоваться мотивами предшествующей музыки, но он мог также вплетать в нее и новые, посторонние темы. В инструментальных концертах этой эпохи имеют место музыкальные эпизоды, где оркестр молчит, а солист получает возможность показать свое умение и фантазию. Известно, что как и В. Моцарт, так и Л. Быстрота художественной реакции, яркость внезапно возникающих образов, изобретательность в острой их смене — качества, которыми должен обладать импровизатор. Импровизационной неожиданностью отмечены вступления солиста, внезапные вариационные освещения тем, сопоставления их, контрасты гармонии, оркестрового колорита. Но эти смены скреплены мудрой музыкальной логикой. Импровизационная природа характерна и для каденций классического концерта, но принцип импровизационности в каденциях классического фортепианного концерта был жестко регламентирован. Таким образом, исследовав особенности зарождения и развития фортепианного концерта, а также проанализировав специфику его жанровой природы, мы пришли к выводу о том, что фортепианный концерт — один из крупнейших монументальных жанров инструментальной музыки. Возникновение исследуемого жанра связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. Кристаллизация основных жанровых признаков концерта многочастная контрастная структура, принцип состязательности и импровизационности, яркая образность осуществляется в эпоху барокко творчество А. Вивальди, А. Корелли, И. Баха, Г. Новую веху в истории развития жанра фортепианного концерта открывают мастера «венского классицизма» Й. Гайдн, В. Моцарт Л. Фортепианный концерт этих новаторов музыкальной лексики отличает масштабность замысла, драматизация музыкальных образов , яркость мелодики, симфоническое развитие тематического материала, виртуозность при большой органической связи солиста и оркестра. Жанровая сущность фортепианного концерта конкретизирована следующими принципами: игровая логика, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Обозначенные принципы определяют не только особенности структуры и содержания концерта, но также формируют поле задач и методов их решения в исполнительской практике пианиста. Представленные в работе результаты не претендуют на полноту исследования проанализированной проблемы и предполагают дальнейшее развитие. Целесообразно исследовать особенности реализации жанровой природы концерта на конкретных примерах концертных сочинений композиторов-классиков, а также представителей музыкальной культуры второй половины XIX — начала XXI в. История фортепианного искусства: учебник для студентов муз. Асафьев Б. Бадура-Скода Е. Бадура-Скода, П. Друскин М. Назайкинский Е. Розеншильд К. Тараканов М. Хейзинга Й. Homo Ludensс. Обозначены особенности исторического развития исследуемого жанра. Выявлены и проанализированы структурно-жанровые особенности концерта. Ключевые слова: фортепианный концерт, жанр, структура, музыкальная форма.

Инструментальный концерт: история, понятие, специфика. (Н

Инструментальная музыка сопровождает обряды, выражая культурные обычаи народа, и танцы, выражая эмоциональное состояние. Жанров инструментальной музыки много, и у всех них разная цель. история жанра инструментального концерта — статьи и видео в Дзене. это музыкальное произведение, исполняемое одним или несколькими солирующими инструментами с оркестровым сопровождением, где меньшая часть принимающих участие противостоит большей или оркестру полностью. от латинского concertare – «состязаться», 4. Антонио Вивальди 1678 - 1741 5. Антонио Вивальди – скрипач-виртуоз, дирижер и 6. Жан Гужон 1510-1568 «Нимфы» презентация, доклад, проект, конспект. Инструментальная форма концерта может считаться подлинным вкладом барокко, в котором воплотились эстетические идеалы эпохи, отмеченной внезапными.

Что такое инструментальный концерт?

Инструментальный концерт. alt. Принцип контраста определял трехчастную форму концерта. Что такое инструментальный концерт. Что такое инструментальный концерт? Исторический корень инструментального концерта можно проследить до XVII века, когда в Италии началась развитие концертной музыки. Классическим концертом называется также публичное собрание в залах со специальной звуковой акустикой, в котором исполняется ряд произведений вокальных или инструментальных.

Инструментальный концерт: история, понятие, специфика. (Н

В музыке концертом называют произведение, в исполнении которого участвуют солист и оркестр. Кончерто гроссо (итал. concerto grosso — «большой концерт») — инструментальный жанр в музыке, зародившийся в эпоху барокко, основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей (итал. ripieno, «рипьено») и группы солистов (итал. Классическим концертом называется также публичное собрание в залах со специальной звуковой аккустикой, в котором исполняется ряд произведений вокальных или инструментальных. музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения. Инструментальный концерт – это музыкальное произведение, в котором главной ролью является исполнение скрипача, пианиста или другого инструменталиста.

Презентация - Инструментальный концерт

История жанра[ править править код ] Во второй половине XVII века появились сочинения, основанные на контрастном сопоставлении оркестра tutti и солиста или группы солирующих инструментов в кончерто гроссо и оркестра. Первые образцы таких концертов Concerto da camera принадлежат Джованни Бонончини и Джузеппе Торелли , однако их камерные сочинения, для небольшого состава исполнителей, были переходной формой от сонаты к концерту; фактически же концерт сложился в первой половине XVIII века в творчестве Арканджело Корелли и особенно Антонио Вивальди — как трёхчастная композиция с двумя крайними частями в быстром движении и медленной средней частью [1]. В то же время существовала и форма так называемого рипиено концерта итал. В концертах первой половины XVIII века, как они представлены в творчестве виднейших представителей барокко , быстрые части обычно основывались на одной, реже на двух темах, которые проходили в оркестре в неизменном виде как рефрен- ритурнель , концертирование солиста чаще всего носило характер орнаментальной виртуозности; в таком стиле писали концерты, в частности, Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.

Развитие жанра концерта как сочинения для одного или нескольких «двойной», « тройной », «четверной» концерт солирующих инструментов с оркестром продолжилось в XIX веке в творчестве Никколо Паганини , Роберта Шумана , Феликса Мендельсона , Иоганнеса Брамса , Ференца Листа , Петра Чайковского , Макса Бруха и многих других композиторов. При этом в сочинениях композиторов-романтиков наблюдался отход от классической формы концерта, в частности, был создан одночастный концерт малой формы концертштюк или концертино и крупной формы, по построению соответствовавший симфонической поэме , с характерными для него монотематизмом и принципом «сквозного развития»; таковы, в частности, фортепианные концерты Ференца Листа [1].

Возникновение исследуемого жанра связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. Кристаллизация основных жанровых признаков концерта многочастная контрастная структура, принцип состязательности и импровизационности, яркая образность осуществляется в эпоху барокко творчество А. Вивальди, А. Корелли, И. Баха, Г. Новую веху в истории развития жанра фортепианного концерта открывают мастера «венского классицизма» Й.

Гайдн, В. Моцарт Л. Фортепианный концерт этих новаторов музыкальной лексики отличает масштабность замысла, драматизация музыкальных образов, яркость мелодики, симфоническое развитие тематического материала, виртуозность при большой органической связи солиста и оркестра. Жанровая сущность фортепианного концерта конкретизирована следующими принципами: игровая логика, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Обозначенные принципы определяют не только особенности структуры и содержания концерта, но также формируют поле задач и методов их решения в исполнительской практике пианиста. Представленные в работе результаты не претендуют на полноту исследования проанализированной проблемы и предполагают дальнейшее развитие. Целесообразно исследовать особенности реализации жанровой природы концерта на конкретных примерах концертных сочинений композиторов-классиков, а также представителей музыкальной культуры второй половины XIX — начала XXI в. История фортепианного искусства: учебник для студентов муз.

Асафьев Б. Бадура-Скода Е. Бадура-Скода, П. Друскин М. Назайкинский Е. Розеншильд К. Тараканов М. Хейзинга Й.

Homo Ludensс. Обозначены особенности исторического развития исследуемого жанра. Выявлены и проанализированы структурно-жанровые особенности концерта. Ключевые слова: фортепианный концерт, жанр, структура, музыкальная форма. The characteristics of the genre development are defined. Structural-and-genre characteristics of the piano concerto are analyzed. Key words: piano concerto, genre, structure, musical form. Концерт как музыкальный жанр Концерт с лат.

Существуют концерты для одного или нескольких инструментов с оркестром, для оркестра, для хора без сопровождения. Сочинения, называющиеся «концертами» , впервые появились в конце XVI в. В Италии. Как правило, это были вокальные полифонические пьесы, однако в их исполнении могли участвовать и инструменты. В XVII в. Принцип «состязания» постепенно проникал и в чисто инструментальную музыку. Сопоставление всего ансамбля тутти с несколькими инструментами соло стало основой концерто гроссо - жанра, получившего распространение в эпоху барокко вершинные образцы концерто гроссо принадлежат А. Корелли , А.

Вивальди , И. Баху, Г. В эпоху барокко складывается также тип сольного концерта для клавира, скрипки и других инструментов в сопровождении оркестра. В творчестве В. Моцарта , Л. В первой части темы вначале излагаются оркестром, затем - солистом и оркестром; незадолго до окончания первой части возникает каденция - свободная импровизация солиста. Темп первой части, как правило, подвижный. Вторая часть - медленная.

Ее музыка выражает возвышенное раздумье-созерцание. Третья часть - финал - быстрая, жизнерадостная, нередко связанная с народно-жанровыми источниками. Н-р, П. Чайковский в своем знаменитом 1-м концерте для фортепьяно с оркестром использует трехчастную форму цикла. В первой части сочетаются патетические и лирико-драматические образы. В основу ее главной темы композитор положил напев лирников слепых певцов, аккомпанирующих себе на лире. Вторая часть - лирическая по характеру. В третьей Чайковский воссоздает картину праздничного веселья, используя украинскую народную песню-веснянку.

Развитие инструментального концерта в творчестве композиторов-романтиков шло как бы по двум направлениям: с одной стороны, концерт по своим масштабам, музыкальным образам сближался с симфонией например, у И. Брамса , с другой - усиливалось чисто виртуозное начало в скрипичных концертах Н. В русской классической музыке жанр инструментального концерта получил своеобразное и глубоко национальное претворение в фортепьянных концертах Чайковского и С. Рахманинова, в скрипичных концертах А. Глазунова и П. Посетители залов филармонии знакомы с особой, приподнятой атмосферой, которая царит во время концерта инструментальной музыки. Приковывает внимание то, как соревнуется солист с целым оркестровым коллективом. Специфика и сложность жанра состоит в том, что солист постоянно должен доказывать превосходство своего инструмента над другими, участвующими в концерте.

Понятие инструментального концерта, специфика В основном, концерты пишут для богатых своими звуковыми возможностями инструментов - скрипки, фортепиано, виолончели. Композиторы стараются придать концертам виртуозный характер, чтобы максимально раскрыть художественные возможности и техническую виртуозность выбранного инструмента. Однако инструментальный концерт предполагает не только соревновательный характер, но и точную согласованность между исполнителями солирующих и аккомпанирующих партий. Содержит в себе противоречивые тенденции: Раскрытие возможностей одного инструмента в противопоставлении целому оркестру. Совершенство и согласованность полного ансамбля. Возможно специфика понятия "концерт" имеет двоякое значение, а все из-за двойственного происхождения слова: Concertare с латинского - "состязаться"; Concerto с итальянского , concertus с латинского , koncert с немецкого - "согласие", "гармония". Таким образом, "инструментальный концерт" в общем значении понятия - это музыкальное произведение, исполняемое одним или несколькими солирующими инструментами с оркестровым сопровождением, где меньшая часть принимающих участие противостоит большей или оркестру полностью. Соответственно, инструментальные "взаимоотношения" строятся на партнерстве и соперничестве с целью предоставления возможности каждому из солистов проявить виртуозность исполнения.

История возникновения жанра В XVI веке впервые было использовано слово "концерт" для обозначения вокально-инструментальных произведений. История концерта, как формы ансамблевой игры, имеет древние корни. Совместное исполнение на нескольких инструментах с явным выдвижением солирующего "голоса" встречается в музыке многих народов, но изначально это были многоголосные духовные сочинения с инструментальным сопровождением, написанные для соборов и церквей. Вплоть до середины XVII понятия "концерт" и "концертный" относились к вокально-инструментальным произведениям, а во 2-ой половине XVII века уже появились строго инструментальные концерты сначала в Болонье, затем в Венеции и Риме , а это название закрепилось за камерными сочинениями для нескольких инструментов и сменило название на concerto grosso "большой концерт". Первым основателем концертной формы считают итальянца скрипача и композитора Арканджело Корелли, им был написан концерт в трех частях в конце XVII века в котором было деление на солирующие и аккомпанирующие инструменты. Затем в XVIII-XIX веках происходило дальнейшее развитие концертной формы, где наибольшей популярностью пользовалось фортепианное, скрипичное, виолончельное исполнение. Длинный путь развития и становления прошел жанр концерта, подчиняясь стилевым тенденциям времени. У Вивальди концертное произведение состоит из трех частей, из которых две крайние достаточно быстрые, они окружают среднюю - медленную.

Постепенно, занимающий солирующие позиции, клавесин заменяют оркестром. Бетховен в своих произведениях сблизил концерт с симфонией, в которой части слились в одну непрерывную композицию. До XVIII века оркестровый состав был, как правило, случайным, по большей части струнным, и композиторское творчество напрямую зависело от состава оркестра. В дальнейшем образование постоянных оркестров, развитие и поиск универсального оркестрового состава способствовали становлению концертного жанра и симфонии, а исполняемые музыкальные произведения стали называть классическими. Таким образом, говоря об инструментальном исполнении музыкальной классики, подразумевают концерт классической музыки. Филармоническое общество В XIX веке в странах Европы и Америки активно развивалась симфоническая музыка, а для ее общественной широкой пропаганды стали создаваться государственные филармонические общества, способствующие развитию музыкального искусства. Основной задачей таких обществ, помимо пропаганды, было содействие развитию и организация концертов. Слово "филармония" происходит от двух составляющих греческого языка: Филармония сегодня - учреждение, как правило, государственное, ставящее перед собой задачи по организации концертов, пропаганде высокохудожественных музыкальных произведений и исполнительского мастерства.

Концерт в филармонии - это специально организованное мероприятие, направленное на ознакомление с классической музыкой, симфоническими оркестрами, музыкантами-инструменталистами и вокалистами. Также в филармониях можно насладиться музыкальным фольклором, включающим песни и танцы. Концерт, написанный для 2-х инструментов, называется двойным, для 3-х - тройным. В таких К. Концерт, в котором оркестр имеет большое симфоническое значение, называется симфоническим. Концерт состоит обычно из 3-х частей крайние части - в быстром движении. В XVIII веке симфония , в которой многие инструменты местами исполняли соло , называлась concerto grosso.

Они часто включают в себя каденцию — свободное импровизационное развитие музыкальной идеи. Разделение на части Инструментальный концерт обычно состоит из нескольких частей, которые различаются по музыкальным характерам и тематике. Например, классический концерт часто состоит из трех частей: быстрой, медленной и быстрой. Инструментальный концерт является как сольным исполнением соло инструмента, так и сотрудничеством с основным оркестром. Он позволяет исполнителю проявить свое мастерство и передать эмоции через музыку, а также создает незабываемые впечатления у слушателей. Разновидности инструментального концерта Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, выполненное при участии оркестра или ансамбля инструментов, где главную роль играют музыкальные инструменты, а не голос исполнителя. Инструментальные концерты делятся на несколько основных жанров и типов. Концерт для соло инструментов и оркестра В данном жанре инструментальный солист выступает в качестве солирующего исполнителя, а оркестр — в качестве аккомпанирующего ансамбля. Примеры известных концертов для соло инструментов и оркестра: Концерт для фортепиано и оркестра Концерт для скрипки и оркестра Концерт для гитары и оркестра 2. Камерно-инструментальный концерт Камерно-инструментальный концерт не использует оркестр и включает в себя небольшой ансамбль музыкантов, исполняющих произведение. Чаще всего камерно-инструментальные концерты представлены малыми ансамблями, такими как камерный оркестр, квартеты, тройки, дуэты и солирующие инструменты.

Фактура-это форма изложения музыкального материала , которая проявляется и в статике например, то или иное расположение аккорда. Фактура, являясь внутренней содержательной стороной произведения... Жанры русского музыкального фольклора Хоровод - сочетание хореографического движения целой группы лиц с их совместным ансамблевым пением. Хороводы имеют многовековую историю, на протяжении которой они развивались, обновлялись и по характеру хореографии, и по стилю пения... Музыка как стиль искусства Музыка возникла на низших ступенях общественного развития , выполняя преимущественно утилитарную роль - ритуальную, ритмическую в трудовой деятельности , способствуя при этом объединению людей в едином процессе... Основные виды и жанры концертов Театрализованный концерт, или, как его иначе называют, "концерт-спектакль" "спектакль-концерт" , представляет собой органический сплав различных видов искусства: музыки, литературы, театра музыкального и драматического , эстрады, кино и цирка... Классификация видов памяти по характеру психической активности была впервые предложена П. Хотя все четыре выделенные им вида памяти не существуют независимо друг от друга, и более того, находятся в тесном взаимодействии... Основные методы развития музыкальной памяти в музыкальной педагогике Существует и такое деление памяти на виды, которое прямо связано с особенностями самой выполняемой деятельности. Так, в зависимости от целей деятельности память делят на непроизвольную и произвольную... Основные методы развития музыкальной памяти в музыкальной педагогике Большинство психологов признает существование нескольких уровней памяти, различающихся по тому, как долго на каждом из них может сохраняться информация. Первому уровню соответствует сенсорный тип памяти... Особенности гармонического языка С. Прокофьева Культура XX века - сложный, многоплановый и противоречивый феномен. Современное музыкальное искусство - часть этой реально функционирующей и развивающейся большой системы, еще недостаточно изучена как в целом так и в составных элементах... Особенности музыкальной памяти Существует несколько основных подходов в классификации памяти... Специфика звуковой субстанции как музыкального материала Эта сложность усугубляется в музыке дифференцированностью музыкальных профессий и инструментальным опосредованием. Звуковая материя, которой пользуются исполнитель и композитор, далеко не всегда производится самим музыкантом... Шнитке Известно, что практически ни одно из сочинений Шнитке не обходилось без участия фортепиано, хоть по воспоминаниям Ирины Шнитке композитор предпочитал струнные инструменты , а "рояль у него был не на первом месте" Хайрутдинова А... Языковые особенности бардовской песни на примере исследования категории времени в творчестве Ю. Визбора В качестве исходной теоретической и методологической основы в данной работе принимается развернутое определение авторской песни, предложенное в монографии И. Соколовой: «Авторская песня…- это тип песни... Посетителям филармонии знакома та особая, приподнятая атмосфера, которая царит в зале, где исполняется инструментальный концерт. Особый интерес вызывает соревнование солиста с целым коллективом — оркестром. Действительно, концерт — один из самых сложных инструментальных жанров. Специфика его состоит в том, что солист поставлен в самые трудные условия, которые могут существовать в музыке. Ему предстоит доказать превосходство своего инструмента в состязании с десятками других. Недаром композиторы придают концертам блестящий, виртуозный характер, стремясь раскрыть все технические и художественные возможности избранного ими инструмента. Концерты, в основном, пишутся для самых развитых и богатых по своим ресурсам инструментов — фортепиано, скрипки, виолончели. Вместе с тем концерт предполагает не только соревнование участников, но и попеременную согласованность солирующей и аккомпанирующей партий в воплощении общего замысла сочинения. Таким образом инструментальный концерт содержит в себе, казалось бы, противоречивые тенденции: с одной стороны, он призван раскрыть возможности одного инструмента в сопоставлении с целым оркестром; с другой стороны, требует полного и совершенного ансамбля. И, по-видимому, слово концерт имеет двойное происхождение: от латинского «concertare», что означает «состязаться», и от итальянского «concerto», то есть, «согласие». В этом двойном значении — смысл и специфика данного жанра. Инструментальный концерт. История возникновения жанра История концерта как формы ансамблевого исполнения уходит в глубокую древность. Совместная игра на нескольких инструментах с выдвижением солирующего встречается в музыкальной культуре многих народов. Так называли вокальные полифонические произведения , исполняющиеся в церкви. Такие произведения были основаны на сопоставлении состязании двух или нескольких певческих партий, сопровождавшихся органом, а иногда — инструментальным ансамблем. В дальнейшем это наименование перешло к камерным сочинениям для нескольких инструментов. Подобные концерты встречаются в начале XVII века, но уже к середине столетия концерт становится оркестровым произведением и принимает новое название — «кончерто гроссо». В кончерто гроссо уже имелось деление на солирующие и аккомпанирующие инструменты, причем первых всегда было несколько и назывались они concertino. Последующее развитие этой формы связано с , младшим современником Корелли. В творчестве Вивальди цикл концерта обрел 3-частную форму, где крайние быстрые части обрамляли среднюю, медленную. Он же создал первые концерты с одним солирующим инструментом, скрипкой. Такие концерты писали Бах и Гендель. В дальнейшем в качестве солирующего инструмента стал выдвигаться и клавесин, который первоначально выполнял в Concerto grosso аккомпанирующие функции. Постепенно его партия усложнялась, и с течением времени клавесин и оркестр поменялись ролями. Структура концертов Вольфганга Амадея Моцарта В окончательно закрепилась 3-частная структура концерта как основная форма. При этом I часть пишется в сонатной форме с двойной экспозицией первый раз ее излагает оркестр, второй, с некоторыми изменениями — солист. В конце части помещается виртуозная каденция — эпизод, исполняемый одним солистом. Как правило, в ту пору каденция не записывалась композитором, а отмечалась особым значком в партии солирующего инструмента. Солисту здесь предоставлялась полная свобода импровизации, демонстрации своих виртуозных способностей. Эта традиция сохранялась довольно долго, и лишь в постбетховенскую эпоху каденция стала записываться авторами, приобретая важное значение в развитии идеи сочинения. Но если каденция в том или ином виде включается в инструментальный концерт и в наши дни, то двойное экспонирование главных тем постепенно исчезло. II, медленная часть, не имеет какой-либо прочно установившейся формы, зато III часть, быстрый финал, пишется в сонатной форме либо рондо. Развитие инструментального концерта в XIX-XX веке Жанр концерта прошел большой путь становления и развития, подчиняясь стилевым тенденциям того или иного периода времени. Отметим лишь наиболее важные, узловые моменты. Концерт пережил свое новое рождение в творчестве Бетховена. Если у Моцарта он еще был наделен чертами развлекательности, то Бетховен решительно подчинил его идейным задачам, сблизил с симфонией. Симфонизацию концерта продолжили композиторы эпохи романтизма.

1. Понятие концерта, специфика, классификация

Солист должен быть в состоянии передать эмоции и страсти через игру на инструменте. Он должен обладать отличной техникой, чтобы справиться с сложными пассажами и виртуозными упражнениями. Кроме того, солист должен иметь своеобразный стиль и интерпретацию композиции, чтобы придать ей своеобразный характер и создать определенное настроение. Взаимодействие солиста и оркестра В инструментальном концерте оркестр играет аккомпанементную роль, поддерживая солиста и создавая аранжировку. Оркестр должен быть хорошо согласован и внимательно следить за солистом, чтобы создать гармоничное и сбалансированное звучание. Оркестр может усилить эмоциональную мощь концерта, добавить глубину и богатство звука, а также вводить разнообразные эффекты и солирующие партии некоторых инструментов. Взаимодействие между солистом и оркестром должно быть гармоничным и согласованным, чтобы создать эффектную и незабываемую музыкальную атмосферу. Роль инструментального концерта в развитии музыки Инструментальный концерт играет огромную роль в развитии музыки. Он представляет собой форму музыкальной композиции, в которой солист на инструменте выступает в качестве главного исполнителя, а оркестр аккомпанирует ему. Эта форма стала особенно популярной в эпоху Барокко, но до сих пор остается одной из важнейших и поклоняется множеством композиторов. Инструментальный концерт дает солисту возможность проявить свою технику, музыкальность и виртуозность на инструменте.

Тем самым, это форма позволяет композиторам создавать пьесы, которые великолепно демонстрируют возможности каждого инструмента. Солист может выразить свои эмоции и передать их аудитории через звуки своего инструмента, создавая неповторимые музыкальные образы. Также инструментальный концерт разнообразен в своем жанровом содержании. Это могут быть концерты для скрипки, фортепиано, виолончели, а также для оркестра без солиста. Каждая из этих форм имеет свои особенности и требует специального мастерства и умения играть на конкретном инструменте. В итоге, инструментальный концерт играет огромную роль в формировании и развитии музыкальной культуры. Он позволяет не только слушать и наслаждаться музыкой, но и узнавать больше о каждом инструменте и его возможностях. Используя различные жанры и инструменты, композиторы могут создавать невероятно красивые и интересные произведения, которые остаются популярными на протяжении многих веков. Новаторские подходы в инструментальном концерте Однако, с развитием музыкального искусства, музыканты начали экспериментировать и вносить новаторские подходы в инструментальный концерт. Они использовали различные техники исполнения, инструментальные средства и музыкальные текстуры, чтобы создать уникальные и захватывающие произведения.

Некоторые из новаторских подходов включают использование нестандартных инструментов, таких как электрическая гитара или синтезатор, а также использование эффектов и звуковых коллажей. Многие современные композиторы также создают интеграцию с электронными средствами и технологиями, добавляя элементы электроники в инструментальные композиции. Кроме того, новаторские подходы включают эксперименты с формой и структурой произведения. Музыканты могут изменять традиционные структуры, добавлять свои собственные разделы или создавать нерегулярные ритмические и гармонические схемы. Они также могут использовать новые методы аранжировки, чтобы создать уникальные звуковые миры.

Первая — самая действенная, «главный участок борьбы». Вторая - медленная, лирическая. Часто её образы связаны с природой. Третья часть - финал. Музыка финала чаще всего особенно жизнерадостная, стремительная и блестящая.

Что напоминает такое строение? Ну конечно, симфонию! Маленькую симфонию. Только с новым действующим лицом - солистом. В отличие от симфонии, в концерте есть так называемая каденция - большой эпизод, который солист исполняет без оркестра. Интересно, что в давние времена, когда форма концерта только начала зарождаться, каденцию сочинял не композитор, а сам исполнитель. Композитор же только указывал место, где она должна быть обычно в первой части. Тогда каденция была как бы вставным номером, в котором солист показывал всё своё мастерство, демонстрировал возможности музыкального инструмента. Нетрудно догадаться, что музыкальные достоинства такой каденции были по большей части не особенно велики и в содержании произведения большой роли не играли. Первым написал каденцию для пианиста Бетховен в своём Четвёртом фортепианном концерте.

С тех пор это стало правилом. Каденции перестали быть «чужими» в общей музыке концерта, хотя по сей день сохраняют виртуозность и блеск и по-прежнему дают возможность исполнителю показать настоящее мастерство, продемонстрировать все возможности музыкального инструмента, будь то рояль или флейта, скрипка или тромбон. Мы говорим, что концерт - это состязание, но прежде всего это, конечно, серьёзнейшее испытание для солиста, серьёзный экзамен на звание настоящего музыканта-исполнителя. Теперь вы, наверное, понимаете, почему исполнение концерта всегда входит в программу конкурсов. И если солист настоящий, талантливый музыкант, тогда... Скачано с www. Вы можете сообщить о нарушении.

Авторы и исполнители поют друг другу новые и старые песни, создаются ансамбли, различные инструментальные составы, объединяющие порой на один концерт людей из разных городов. Культура музицирования, общения с помощью искусства, несет огромный заряд, радость творческого общения. Горина Ю. Известно, что коллекция граммофонных пластинок была и у царя — хозяина Зимнего дворца. Во время прогулок на яхте Николай II с семьей подолгу слушал граммофонные записи оперных арий, песен, романсов в исполнении лучших вокалистов. Рассказывают, что в 1905 году император присутствовал в Мариинском театре на концерте Варвары Паниной, репертуар которой состоял преимущественно из цыганских песен и романсов. После концерта царь посетовал, что в его коллекции грампластинок нет записей этой певицы. Досадная оплошность была немедленно исправлена — в ближайшие же дни фирма «Зонофонъ» записала 24 лучших романса Паниной и выпустила их в роскошном подарочном альбоме, состоящем из 12 двусторонних пластинок малого формата, так называемых миньонов. Курушин В. Очерки эволюции, 2014 Еще один раздел сборника составляют песни, подвергавшиеся гонениям по самым различным причинам и не рекомендованные к открытому исполнению. Среди них музыкальные произведения — как профессиональных, так и самодеятельных авторов — на темы бытовые, политические и так называемой «воровской романтики» и др. Смена политического руководства, колебания партийно-эстетических установок, проведение различных назидательных кампаний, «неправильное» поведение авторов — все это чутко отслеживалось аппаратом, в чьем ведении находилось руководство музыкальным творчеством, и оценивалось с точки зрения полезности для «простого советского человека». Теперь, когда события тех лет давно уже стали достоянием истории, отчетливо видны несправедливость и тщетность бурной «запретительской» деятельности музыкальных надсмотрщиков. Песни, которые они запрещали, сегодня звучат на радио и в телеэфире, записываются на пластинки, исполняются на различных концертах. Одной из постоянных площадок праздника является концертный зал эстонской церкви Святого Иоанна. Гусаров А. Путеводитель по северной столице на все случаи жизни, 2013 Действительно ли птицы, как выразился Бетховен, «сочиняли вместе с ним»? Можно ли допустить наличие у них музыкального чувства, более того, творческих способностей? Даже если принять во внимание, что певчим птицам «темперированное[26] настроение» неведомо и что человек зачастую вкладывает в пение птиц больше смысла и чувств, чем слышит, тем не менее их необыкновенная способность создавать самый настоящий мотив на основе двух и трех тональностей снова и снова нас озадачивает. В этом отношении самой одаренной птицей является черный дрозд. Количество его мотивов исчисляется тысячами, многие исследователи, в частности профессор Бернхард Гофман, и композиторы, например Хайнц Тиссен, записали сотни переливов черного дрозда, имеющих бесчисленное множество разных форм. Кроме того, можно считать, что черный дрозд изобрел додекафоническую музыку задолго до того, как это стилевое направление было подхвачено современными композиторами. Но нередко в песне дрозда можно услышать и абсолютно чистые трезвучия. Он способен точно выводить звуковые скачки диапазоном в полторы октавы. В песнях черного дрозда Тиссен узнал не только мотивы музыки Моцарта, но и, вне всяких сомнений, первую тему из финальной части Концерта для скрипки Бетховена. Однако пернатый композитор позволил себе улучшить сочинение своего великого «коллеги» и встроить в тонический регистр доминантное воздействие. Моцарт исполнялся реже, чем сейчас, а Бах — еще реже, несмотря на усилия Мендельсона возродить его былую славу. Оркестранты служили при дворе, и это обеспечивало им прочность положения и пенсию. Их жалованье зависело от суммы годовой дотации. Иногда какой-либо князь произвольно решал сократить расходы. Дирижеры выражали недовольство количеством седых бород в оркестре и требовали обновления состава за счет более опытных музыкантов. Но уволить оркестранта было непросто. Музыканты работали много, циркулируя между концертами и театром, где они должны были участвовать не только в оперных спектаклях, но и исполнять ту музыку, которая сопровождала пьесы. Жалованья им хватало лишь на еду и оплату жилья. Даже некоторые капельмейстеры жили скудно. Притом что в Германии жизнь была недорогой, им, тем не менее, приходилось экономить, чтобы сводить концы с концами. Двадцатидвухлетнему Штраусу, уже известному дирижеру и композитору, предложили трехгодичный контракт в Мейнингене с годовым жалованьем в 2000 марок 500 долларов. Последний романтик, -1 Варшаву удалось покорить быстро. Два известных увеселительных заведения польской столицы — кафе «Эспланада» и Palais dе Danse — распахнули свои двери для ансамбля Ади Рознера. Здесь Ади играл на «файвах» — так в Польше называли танцы к чаю в пять. Современники отмечали, что молодежь, приходившая потанцевать, во время выступлений рознеровского джаза, начисто забывала о танцах: «файв» превращался в концерт. Оркестр Рознера звучал по-американски стильно, виртуозно и свежо. Выпускник Берлинской консерватории Владислав Шпильман — впоследствии узник Варшавского гетто его история запечатлена в фильме Романа Полански «Пианист» , организатор фестивалей в Сопоте и автор дебютной песни Эдиты Пьехи — был свидетелем «файвов» Рознера. А также то, что подсказывало ему чутье бэндлидера: самый чуткий художественный компас». Драгилев Д. С самого своего возникновения, то есть с 20-х годов, оно мало чем отличалось от печатных изданий. Тогда в прямом эфире было принято зачитывать информационные листовки, это называлось радиогазетами. Но уже в 30-е годы радио несколько видоизменилось: стало транслировать музыкальные концерты, отрывки из опер и музыкальных спектаклей — в общем, всячески пропагандировать классическую музыку. Если Вам с самого детства привили любовь к музыке, у Вас в семье есть профессиональные музыканты, то Вы можете выбрать в дальнейшем как цель получение музыкального образования. Сначала Вы оканчиваете музыкальное училище. После этого Вы можете попробовать свои силы при поступлении в консерваторию, являющуюся высшим учебным заведением. Итак, Вы получаете классическое музыкальное образование и принимаете участие во всевозможных концертах, на которых можете проявить себя, показать Ваш талант.

Романтики создали одночастный К. В классич. Яркие образцы романтич. Паганини, Ф. Лист и др. После Бетховена наметились две разновидности два типа К. В виртуозном К. Во мн. В симфонизированном К. Внедрение симф. Оба типа К. Симфонизация охватила в нем даже такой специфически-виртуозный элемент жанра, как каденция. Если в виртуозном К. Уже со времени Бетховена каденции начали писать сами композиторы; в 5-м фп. Чёткое разграничение виртуозного и симфонизированного К. Большое распространение получил тип К. Листа, П. Чайковского, А. Глазунова, С. Рахманинова симфонич. Прокофьева, Б. Бартока, преобладание симфонич. Оказав значительное влияние на К. В конце 19 в. Штрауса "Дон Кихот" , Н. Римского-Корсакова "Испанское каприччо". Гаджибекова, эстонского композитора Я. Ряэтса и др. Практически К. Глиэру принадлежит пользующийся большой популярностью К. Барчунова и др. Мирзоян , латвийского кокле Я. Мединь и т. В сов. Прокофьева, Д. Шостаковича, А. Хачатуряна, Д. Кабалевского, Н. Мясковского, Т. Хренникова, С. Цинцадзе и др. Литература: Орлов Г. Инструментальная форма концерта может считаться подлинным вкладом барокко, в котором воплотились эстетические идеалы эпохи, отмеченной внезапными переменами, тревогой и напряженным ожиданием. Концерт -- это своего рода музыкальная игра света и тени, некая конструкция, где каждая составная часть находится в противодействии остальным частям. С появлением концерта рождается тенденция к музыкальному повествованию, к развитию мелодии как некоего языка, способного передавать глубины человеческих чувств. В действительности этимология слова «concertare» происходит от слов «состязаться», «сражаться», хотя также понимание смысла этой музыкальной формы соединено с «consertus» или «conserere», что значит «согласовывать», «приводить в порядок», «объединять». Этимологические значения очень хорошо соответствуют цели композиторов, которые, посредством новой формы способствовали удивительному продвижению вперед музыкального языка эпохи. Временем рождения инструментального concerto grosso историки считают 70-е годы XVII века, а его родословную ведут либо от вокально-инструментального концерта и во многом близкой ему органной и оркестровой канцоны XVI-XVII веков, либо от ансамблевой сонаты, сложившейся в XVII веке. Названные жанры наряду с оперой воплотили основные черты нового музыкального стиля - барокко. Виадана в предисловии к сборнику своих концертов Франкфурт, 1613 подчеркивал, что мелодия в концерте звучит гораздо отчетливее, чем в мотете, слова не затемнены контрапунктом, а гармония, поддержанная генерал-басом органа, неизмеримо богаче и полнее. Фактически то же явление описывал в 1558 году Дж. Царлино: "Случается, что некоторые псалмы пишутся в манере а choros pezzato предполагающей исполнение "разделенным, разорванным хором" - Н. Такие хоры часто поют в Венеции во время вечерни и в другие торжественные часы и располагаются или разделяются на два или три хора, по четыре голоса в каждом. Хоры поют поочередно, а иногда вместе, что особенно хорошо в конце. И поскольку такие хоры размещаются довольно далеко друг от друга, постольку композитор во избежание диссонанса между отдельными голосами должен писать так, чтобы каждый хор в отдельности звучал хорошо... Басы разных хоров должны все время двигаться в унисон или октаву, иногда в терцию, но никогда - в квинту".

Инструментальный концерт

Концерты Джованни Габриели, написанные для собора св. Марка в Венеции, или концерты Лодовико да Виаданы и Генриха Шютца – это в основном многохорные духовные сочинения с инструментальным сопровождением. это музыкальное произведение, исполняемое без вокала и основанное на виртуозном исполнении музыкальных инструментов. Концерты Джованни Габриели, написанные для собора св. Марка в Венеции, или концерты Лодовико да Виаданы и Генриха Шютца – это в основном многохорные духовные сочинения с инструментальным сопровождением. 4. Концерт Соната Симфония Сюита Циклические формы инструментальной музыки, составляющие сонатно-симфонический цикл. Франчайзинг · Инструментальный концерт определение. Инструментальный концерт: история, понятие, специфика. Инструментальный концерт это музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возмож.

Похожие новости: